Art Installation - Ernesto Oñate

Vaya al Contenido

ART INSTALLATION
La obra de arte es el mensaje conformado para fascinar en un primer instante, y así propiciar y dar lugar a que la idea establezca conexión con el conocimiento del espectador,  en un flujo continuo de percepción y comprensión, en el que la novedad emociona.

La novedad, en la obra de arte, se fundamenta en qualia que, por sus propios atributos de novedad, son inefables.


Conversaciones
sobre arte, comunicación y #conciencia


El espacio del artista

Reflexioné mucho entonces sobre las aventuras de la selva y, a mi vez, logré trazar con un lápiz de color mi primer dibujo. Mi dibujo número 1. (…)
Mostré mi obra maestra a las personas grandes y les pregunté si mi dibujo les asustaba.
Me contestaron: “¿Por qué habrá de asustar un sombrero?”.
Mi dibujo no representaba un sombrero. Representaba una serpiente boa que digería un elefante. Dibujé entonces el interior de la serpiente boa a fin de que las personas grandes pudiesen comprender. Siempre necesitan explicaciones. Mi dibujo número 2. (…)
Las personas grandes me aconsejaron que dejara a un lado los dibujos de serpientes boas abiertas o cerradas y que me interesara un poco más en la geografía, la historia, el cálculo y la gramática. Así fue como, a la edad de seis años, abandoné una magnífica carrera de pintor. Estaba desalentado por el fracaso de mi dibujo número 1y de mi dibujo número 2. Las personas grandes nunca comprenden nada por sí solas, y es agotador para los niños tener que darles siempre y siempre explicaciones. (El Principito, Antoine de Saint-Exupéry).

A Gaudí se le atribuye la cita: La obra de arte debe ser seductora y si por ser demasiado original se pierde la cualidad de la seducción, ya no hay obra de arte.

La rosa es rosa antes de estar en el florero…
cuando está en el florero,
es la rosa la que le da sentido al florero.

Lo nuevo suele ser rechazado al principio. Cuando surge algo nuevo, en un lugar alejado, de alguien desconocido, en un momento inesperado, descontextualizado de lo establecido y con visión diferente al rumbo de los acontecimientos presentes, se rechaza o simplemente no se le da importancia. Este suele ser el inicio de todo lo que después es alabado con desmesura; como si la importancia fuera de quién lo descubre, de quién decide considerarlo entre lo admitido o de quien le concede su beneplácito y su espacio.

Eres importante estés donde estés…
Y seguro que habrá un sitio y un momento
que será importante porque tú estés allí.
Sí, gracias a los floreros las rosas son tan apreciadas.

-   Ernesto Oñate


El privilegio de ser creador

Nada es comparable al acto de crear.
 
El artista se sabe en el privilegio de la responsabilidad de ser creador.
 
El artista, al enfrentarse a la creación, pone su voluntad en compartir lo que cree que sabe, tal como lo siente, en cada momento de la creación. Asume la responsabilidad del líder desde la humildad de saber que solo debe de contar con su intuición para imaginar y recibir la inspiración que lleva a su obra a posibilidades que desconoce, que no sabe.
 
El artista sabe que en proporción al amor que sienta por su obra, por la idea que desea transmitir, será su inspiración y el gozo de ir imaginándola paso a paso, de verla evolucionar acercándose a su ideal: un deseo sin forma ni posible descripción previa.
 
Para Sol LeWitt: “En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra… Toda la planificación y decisiones se hacen por adelantado y la ejecución es un asunto rutinario. La idea se convierte en la máquina que hace arte”.
 
Joseph Kosuth dice, en Arte después de la filosofía, que “la estética no tiene la menor importancia para el arte” y resumiendo a Duchamp dice que “la única tarea para un artista de nuestro tiempo es investigar la naturaleza del arte mismo”. El grupo Art & Languaje se posiciona en el valor de la idea experimentando con formas de expresión que son objetos-respuesta del filósofo, en los que el artista ha estado ausente, sin posibilidad de que participe. Están, ya no en el valor de la idea, sino en el valor del ingenio para expresar la idea, olvidando que crear arte es un acto de generosidad, de amor, que nada tiene que ver con el ingenio de su ego.
 
El deseo de crear es el deseo de transmitir una idea, un concepto, que incluso puede que no sea posible explicar con palabras, o puede ser el deseo de provocar un sentimiento o contagiar una emoción. La idea o el concepto, que son previos al objeto sensible, también pueden ser fruto de la inspiración, cuando se aborda un tema racionalmente. Claro, racionalmente, con la imaginación, la inspiración puede marcar las pautas de la creación, con gran definición. Pero si a partir de aquí desaparece el creador y todo queda en una solución rutinaria bajo el dictado de la memoria, no hay arte, solo hay un mensaje de un filósofo inspirado. La idea inspirada es la semilla de la obra artística.
 
Es a continuación cuando comienza el acto creador de la obra artística, la creación del objeto sensible, que se compone de materia y también de lenguaje. La materia, hecha de formas, colores y texturas, es el soporte del lenguaje. El lenguaje creado y usado con anterioridad es necesario para que sea descifrable lo que se pretende transmitir, pero aún no tenemos eso que posibilita que el arte ocurra. El lenguaje necesita evolucionar con cada obra, para ser propio y particular de la obra. Esta es la diferencia que puede dar lugar a que el arte suceda y que suceda irrepetibles veces a lo largo del tiempo, y sea el atributo que convierta al objeto en arte imperecedero.
 
El artista comparte lo que siente y lo que cree. Comparte, desde su alma, experiencias, conocimientos y sensaciones; da a los demás aquello que le llega en exclusiva. Crea arte con su lenguaje, puesto al servicio de la idea y se sabe en el privilegio de la responsabilidad de ser creador.

-   Ernesto Oñate


¿Abstracto o conceptual?
 
Conocer:
Es experimentar o sentir algo.
Es averiguar por el ejercicio de las facultades intelectuales la naturaleza, cualidades y relaciones de las cosas.
Es percibir el objeto como distinto de todo lo que no es él.
 
Entender:
Es tener idea clara de algo, conociéndolo y sabiéndolo con perfección.
 
Comprender:
Es alcanzar o penetrar algo, abarcándolo y entendiéndolo.
 
Sentir:
Es experimentar sensaciones producidas por causas externas o internas.
 
Epifenómeno:
Es el fenómeno accesorio que acompaña el fenómeno principal y que no tiene influencia sobre él.
 
Los epifenómenos nos llevan a conocer otras realidades, desviando nuestra atención de la posibilidad de entender la esencia de la causa de la realidad que verdaderamente deseamos comprender
 
Poner la atención en cómo es una pluma nos desvía la concentración en la comprensión del concepto de volar.
 
Wasili Kandinsky, entre 1910 y 1914, con sus Impresiones, Improvisaciones y Composiciones, y posteriormente en la Bauhaus; y el movimiento De Stilj, con Theo van Doesburg, Bart van der Leck y Piet Mondrian, desde 1917, experimentan y teorizan sobre lenguajes plásticos que superando la figuración y la simbología se adentran en la expresividad fundamentada en lo abstracto de las formas y los colores.
 
Se ha pasado de representar, mediante simbología, ideas y conceptos abstractos como la alegría, a experimentar la representación de esos conceptos no materiales mediante conceptos plásticos abstractos, líneas, formas y colores. Se ha iniciado la búsqueda de lenguajes plásticos abstractos para comunicar ideas y conceptos abstractos.
 
El arte ha dado un giro, deshaciéndose de la necesidad de la simbología y la figuración, hacia la materialización plástica de lo abstracto para, más allá de comunicar una idea o un concepto, hacerlo sentir. El arte plástico, en este aspecto esencial, imita a la música.
 
Cuando tratamos de representar de forma plástica ideas o conceptos no materiales (como la alegría), solo es posible una representación abstracta o utilizar una simbología. Y, ¡claro!, cualquier intención de representación de una realidad material lleva consigo un grado de abstracción. Y también de simbología, que en definitiva es abstracción.
 
El Ave Fénix es la simbología del vuelo de una realidad que muere hacia otra nueva que nace o da a luz. Y más allá, mediante la abstracción de ese símbolo, las formas, los materiales y sus texturas tratan de transmitir y hacer sentir esa transformación de ruptura entre la muerte y el dar a luz. Mediante la abstracción se pretende ir, más allá de contar unos sentimientos, a emocionar y hacer sentir.
 
En la simbología, las formas que definen el símbolo y el propio símbolo son epifenómenos. En la representación abstracta también todo lo material, formas, colores, materiales y texturas, son epifenómenos; lo principal es la idea que se transmite y se comprende.
 
¿Por qué el llamado arte conceptual necesita de explicaciones e instrucciones para ser entendido? Opino que aspira a ser entendido, no a ser comprendido. Se queda en lo mental sin llegar al intelecto.
 
Cuando la obra artística trata de comunicar una emoción, la simbología y la representación figurativa conducen a la percepción de lo anecdótico, de epifenómenos, desviando la atención de la esencia del concepto que se desea comunicar, de las sensaciones y sentimientos que se desean transmitir, de las emociones que se desean contagiar; desapareciendo cualquier posibilidad de que al espectador le embargue la esencia de la idea.
 
De Stilj, Mondrian y Kandinsky pasaron de representar ideas y conceptos abstractos mediante simbología, a representar esos conceptos esencialmente abstractos mediante representaciones plásticas abstractas, es decir, con formas abstractas capaces de comunicar y hacer sentir esos conceptos. Este es el verdadero arte conceptual, el que tiene como objetivo transmitir conceptos sin valerse de la objetividad, de la simbología y de la representación figurativa.
 
En la realización del verdadero arte, el que embarga los sentidos, confluyen imaginación, intuición e inspiración y en el resultado se percibe la MAGIA que lo ha hecho realidad. Cuando no es así se percibe el esfuerzo infructuoso y baldío.

-   Ernesto Oñate


Arte conceptual, un relato parcial del concepto.
 
El arte o la obra de arte deben contemplarse, desde una concepción holística, con mucha más amplitud que las reducciones a las que llegan las diferentes visiones del llamado comúnmente Arte Conceptual.
Kosuth, en 1969, dice: La estética no tiene, conceptualmente, la menor importancia para el arte.
Kosuth, asumiendo las ideas de Duchamp, las resumía diciendo: La única tarea para un artista de nuestro tiempo es investigar la naturaleza del mismo arte.
La concepción del arte fue cuestionada originalmente por Duchamp con los ready-made, cambiando su enfoque, de la forma del lenguaje a lo que se dice. Esto supuso que Duchamp cambió la naturaleza del arte, de una cuestión de morfología a una función. Este cambio, de la apariencia a la concepción, supone el origen de lo que después sería el arte conceptual, aunque la realidad es que, a partir de este cuestionamiento de Duchamp, toda obra de arte adquiere una vertiente fundamental, la conceptual.
LeWitt decía: “En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra”, “Toda la planificación y decisiones se hacen por adelantado y la ejecución es un asunto rutinario. La idea se convierte en la máquina que hace arte”. El arte conceptual, desde esta visión amplia, es una concepción del arte estrechamente vinculada a la filosofía.
Ante esta concepción del arte y su función, la estética llega a perder toda su importancia para dar relevancia al contenido conceptual a través de un enfoque puramente lingüístico. Hasta llegar a extremos, como el grupo Art & Language, de utilizar exclusivamente la impresión sobre papel para formalizar las obras de arte.
Rosenberg decía en Arte y palabras: “No es exagerado decir que hoy en día los cuadros se ven con los oídos”, dando sentido a que lo fundamental en la experiencia de la comunicación en el arte es lo que la obra dice o expresa.
Cuando analizamos el concepto global de forma holística; incluyendo los conceptos voluntad del artista, imaginación, deseo creador, impulso del alma, Conciencia, intuición, inspiración, emoción desde el silencio, comunicación inefable, consciencia y experiencia personal; la idea, como trabajo del filósofo y como planificación mental, se queda acotada en unos parámetros muy reducidos en la amplitud del concepto holístico del arte.
 
-   Ernesto Oñate


El concepto de arte conceptual
Himno de la Alegría, cuarto movimiento de la Sinfonía nº 9 de Beethoven, inspirado en Oda a la Alegría, poema de Friedrich Schiller, es un canto por la hermandad de los hombres hacia un mundo de libertad para el bien común. Este es el concepto de la obra, muy grande, sin duda. Beethoven escribió su partitura comprendiendo en la cabeza las melodías, los ritmos, los acordes..., las armonías de cada una de sus notas. Hasta aquí, la idea, la función, las instrucciones,… el/los concepto/s. A continuación la música,… el sonido. Se convierte en arte cada vez que alguien la escucha y su alma se embarga por los ideales que transmite mediante una lluvia de notas que progresa entusiasmando al espectador hasta calarle los huesos.  Una experiencia que se basa fundamentalmente en qualia de armonías.
¿En qué se queda la música, sin el sonido? ¿Dónde está la posibilidad de que mi alma se embargue ante la obra de arte que se limita al enunciado, sin composición? ¿En unas instrucciones? ¿Dónde está la posibilidad de comunicación de esos qualia inefables que ponen la piel de gallina?
Dalí solía decir, con mofa: “Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado”. Ni la obra de arte es el significado, ni hay arte sin significado.
El meme de internet es la expresión o manifestación de una idea o concepto mediante cualquier tipo de medio virtual. La estética no tiene, conceptualmente, la menor importancia para el meme. Esto sitúa al meme y al arte conceptual en conceptos coincidentes, con la única diferencia de que el arte conceptual no queda enmarcado en los medios virtuales.
 
-   Ernesto Oñate


Abstracción de la comprensión
 
Apariencia:
Es el aspecto o parecer exterior de cualquier realidad.
 
Al Impresionismo le importa plasmar la luz y el instante. Se desentiende de la realidad que proyecta la luz. La identidad de las cosas queda indefinida, supeditada a la impresión visual. Su principal instrumento es el color; experimenta el valor relativo de cualquier color, condicionado a los colores que lo rodean. A partir de la Escuela de Barbizon, el artista busca su propia libertad para representar lo que ve, lo que le impresiona o lo que le motiva a disfrutar haciendo arte.
 
En Pont-Aven, Gauguin aconseja a Sérusier en una de las salidas a pintar al aire libre: “¿Cómo ve usted ese árbol?, ¿es verde?, pues ponga verde, el verde más bello de su paleta. Y esa sombra, ¿más bien azul?, no tema, píntela tan azul como sea posible”.
 
Concepción:
Es formar la idea de algo o un designio en la mente. Es comprender algo, encontrarle justificación y razón de ser, comenzar a sentir afecto o pasión por alguna idea.
 
Mi obra trata de ser concepción de la realidad. Materializa los conceptos que definen esencialmente y diferencialmente la realidad, abstrayendo el concepto a límites de simbología, y evoluciona a una materialización de conceptos de esa realidad abstracta a la que los sentidos no tienen acceso.
 
-   Ernesto Oñate


Abstracción de la idea
 
Concepto:
Es la idea que concibe o forma el entendimiento.
Es la representación mental asociada a un significante lingüístico.
 
El arte conceptual pretendió demostrar que se podía crear arte sin necesidad del objeto artístico real; que la experiencia artística es posible sin que medie la realidad objetual. Sustituye el goce inmediato derivado de la contemplación por la comprensión y el juicio reflexivo. La obra física se concibe como documentación de la verdadera obra de arte, la idea, la experiencia, la reflexión o el concepto.
 
Kusuth dice: “Las obras de arte conceptuales son proposiciones analíticas que presentan las intenciones del artista”.
 
Mente:
Es el conjunto de actividades y procesos psíquicos de carácter cognitivo.
Es la potencia o capacidad intelectual del alma, que engloba designios, percepción, consciencia, pensamientos, memoria, imaginación, propósitos, juicios y voluntad.
 
Mi obra, materializa los conceptos que definen esencialmente y diferencialmente la realidad, abstrayendo el concepto a límites de simbología, y evoluciona a una materialización de conceptos de esa realidad abstracta a la que los sentidos no tienen acceso. Trata de comunicar qualia que emocionen en una comprensión de la idea que se percibe desde el silencio, cuando los significantes lingüísticos compartidos no son suficientes; en la convicción de que los qualia inefables son los que determinan el lenguaje del arte.

-   Ernesto Oñate


Abstracción de la realidad

Consciencia:
Es el acto psíquico por el que un sujeto se percibe a sí mismo en el mundo.
Es la capacidad del ser humano de reconocer la realidad circundante y de relacionarse con ella.
Es el conocimiento inmediato o espontáneo que el sujeto tiene de sí mismo, de sus actos y reflexiones.
Es el conocimiento reflexivo de las cosas percibidas.

El cubismo supera la representación fiel de la realidad para representar lo que se sabe de ella, es decir, los rasgos esenciales y diferenciales que la definen. Picasso explicó su modo de ver el arte: “Todos sabemos que el arte no es la verdad. Es una mentira que nos hace ver la verdad, al menos aquella que nos es dado comprender. El artista debe saber el modo de convencer a los demás de la verdad de sus mentiras… Con el arte expresamos nuestro concepto de lo que no es la naturaleza… Y desde el punto de vista del arte no hay formas concretas y abstractas: sólo hay formas que son mentiras más o menos convincentes. Es indiscutible que tales mentiras son necesarias para nuestra mente, pues a través de ellas formamos nuestro punto de vista estético de la vida.”

Conciencia:
Es la actividad mental del propio sujeto que permite sentirse presente en el mundo y en la realidad.
Es el conocimiento de la realidad que permite a la persona enjuiciar moralmente la realidad y los actos, especialmente los propios.

Mi obra trata de expresar la realidad desde el silencio de la conciencia. Materializa los conceptos que definen esencialmente y diferencialmente la realidad, abstrayendo el concepto a límites de simbología, y evoluciona a una materialización de conceptos de esa realidad abstracta a la que los sentidos no tienen acceso.

-   Ernesto Oñate


Abstracción del entendimiento

Formalismo:
Es la tendencia a seguir rigurosamente las normas formales establecidas. Paradigma, doctrina o norma que se apoya en convenciones.

El Informalismo, en su conjunto, es fundamentalmente una búsqueda de nuevos lenguajes, en transgresión a través de nuevas formas, nuevos signos y nuevos materiales, que den soporte y expresión a unas ideas dentro de la Corriente Existencialista del momento. Es expresión mediante la experimentación, o quizá, experimentación de la expresión, que también utiliza el automatismo psíquico como el Surrealismo y el Expresionismo Abstracto, contemporáneo y que se desarrolla en diversas corrientes , como la Pintura Matérica, la Gestual, el Tachismo o el Espacialismo. Aunque “informal” se refiere a un arte “sin forma”, sin embargo, es una transgresión que no rompe deliberadamente con el concepto formal y funcional del objeto artístico. El medio de expresión principal continúa siendo a través de cuadros de formatos convencionales en el mercado del arte.

Designio:
Es el pensamiento, o propósito del entendimiento, aceptado por la voluntad.

Mi obra, materializa los conceptos que definen esencialmente y diferencialmente la realidad, abstrayendo el concepto a límites de simbología, y evoluciona a una materialización de conceptos de esa realidad abstracta a la que los sentidos no tienen acceso. No hay transgresión per se, la forma está en función de la expresión de la abstracción de la idea, sin más entendimiento que los conceptos que sirven a la propia obra.

-   Ernesto Oñate

<<<   Leer más conversaciones   >>>

Regreso al contenido